On démarre pied au plancher avec Jack Frost 2: Revenge of the Mutant Killer Snowman (le titre est déjà tout un programme !) réalisé par Michael Clooney (à ne pas confondre avec celui des capsules de café), suite donc du déjà très inspiré et nanardesque Jack Frost. Attention, rien à voir avec la comédie familiale particulièrement niaise et dégoulinante interprétée par Michael Keaton !

Donc Jack Frost 2 ou l’histoire d’un bonhomme de neige mutant qui dézingue à tout va… dans les Caraïbes !

Difficile de dire ce qui a bien pu passer par la tête (ou les narines ?) des scénaristes et du réalisateur du film. Quoiqu’il en soit le résultat est à la hauteur du pitch, c’est à dire désastreux mais sympathique.

On enchaîne avec ce qui constitue probablement la pire scène de combat jamais tournée… Pour cette brillante contribution au panthéon du nanar, il conviendra de féliciter chaleureusement Godfrey Ho. Ce réalisateur Hong-Kongais, qu’on connaissait dans les années 80 pour ses films de kung-fu fauchés mais pas bien méchants, s’exile aux Etats-Unis au début des années 90. C’est là que son talent va véritablement se révéler aux yeux du monde. En 1992, Ho réalise et co-produit Honor and Glory, un bon gros navet qui sortira en direct-to-video, sorte de galop d’essai, d’étape transitoire vers le nanar grand cru. Fort de ce premier échec commercial, Ho décide de remettre les couverts en 1993 avec Undefeatable. Peu ou prou entouré de même troupe d’acteurs (pourquoi changer une équipe qui perd ?) avec notamment Cynthia Rothrock en tête d’affiche, le bien nommé Undefeatable (Imbattable, il fallait oser…) fait son entrée par la grande porte au pays du Nanar.

Le coup de maître de Ho sur ce film c’est d’avoir fait appel à Don Niam, acteur jusqu’alors inconnu au bataillon pour interpréter le rôle de Stingray, le kickboxer psychopathe et méchant attitré du film. Difficile de décrire la performance de cette acteur: phénoménal, mystique, ultime, culte… Il suffit de le voir fixer la caméra de ses yeux exorbités pour saisir tout le potentiel d’interprétation du gaillard.

Trêve de bavardage, les images parleront d’elles-même…

Puisqu’on est dans l’univers de la castagne, restons y. Cette fois, c’est à la cultissime série Star Trek que nous devons ce moment de franche rigolade. Dans cette scène de “combat” (?), on retrouve le beau captaine Kirk alias William Shatner vêtu de sa combi moulante au prise avec un lézard en plastique géant. Le combat, tout en souplesse, est digne d’une rixe en maison retraite. Cascades, effets spéciaux, tout est à l’avenant. Côté son, à noter la sérieuse bronchite dont semble souffrir notre ami le lézard…

On change d’époque et de registre avec un film catastrophe (effectivement je vous confirme que le film en est bien une) sortie en 2009: Mega Shark vs. Giant Octopus. Le film est un bon gros navet réalisé par Jack Perez et produit par The Asylum, société de production au rabais, spécialisée dans le plagiat opportuniste des grands succès du box office, version low cost. Parmi leurs derniers titres, on trouvera par exemple The Terminators et Transmorphers 2. Ce Mega Shark vs. Giant Octopus ne mérite vraisemblablement pas le titre très honorifique de nanar mais il comporte tout de même ce petit bijou de scène catastrophe que je tenais à vous faire partager.

Et puisqu’ils semblent décidément avoir de la suite dans les idées chez The Asylum, je vous invite aussi à découvrir leur dernière livrée, sortie en 2010: Mega Piranha.

Une sélection de nanar sans un petit passage par Bollywood c’est un peu comme un repas sans dessert. Avec Athisaya Piravi, on tient du lourd. En témoigne cette remarquable scène de combat de rue avec son montage au hachoir à viande et ses cascades à faire frémir notre Rémi Julienne national. Le savoir-faire indien, ya que ça de vrai!

On termine en apothéose cette nouvelle fournée avec un véritable ovni cinématographique daté de 1972, Bloodfreak.

Attention, on aborde pas un tel monument à la légère. Évoquer Bloodbreak, c’est sonder les abysses les plus profondes du néant cinématographique. Scénario indigent, interprétation lamentable, tournage façon parkinson, montage à la tronçonneuse…

Vite, le trailer !

Pour ceux qui aurait envie de découvrir ce chef d’œuvre, je vous encourage vivement à vous le procurer en version française. Le doublage est vraisemblablement l’un des pires qu’il m’ait été donné d’entendre. Voici donc en cadeau bonus, 3 petits extraits du film en VF. Un pur régal, je vous dis !

Produite par le network AMC à qui l’on doit déjà deux autres séries phénomènes -Mad Men et Breaking Bad-, The Walking Dead est l’adaptation directe du Comic Book du même nom publié depuis 2003. Il a été créée par Robert Kirkman(scénariste), Tony Moore et Charlie Adlard (dessinateurs).

Le pitch de départ est on ne peut plus simple: Victime d’une blessure par balle au cours d’une intervention, l’officier Rick Grimes se retrouve hospitalisé d’urgence. Plongé dans le coma, il réalise à son réveil que l’humanité est une race en voie d’extinction puisque la quasi-totalité de la population mondiale a été transformée en zombies. Il décide alors de partir à la recherche de sa femme et de son fils, qu’il espère encore en vie. Errant à travers les rues, il parvient à retrouver la trace de quelques autres survivants. La résistance s’organise pour tenter de survivre dans cet environnement post-apocalyptique…

Bon, à première vue, c’est du très classique dans la droite lignée des films de zombies de George Romero, le maître du genre. Mais là où un film se contenterait de décrire les quelques heures ou même les quelques jours qui marquent le début de la survie, The Walking Dead suit les protagonistes dans le temps. Bref, au delà de quelques scènes choc et quelques morceaux de bravoure particulièrement haletants, la série n’a rien d’un jeu de massacre. Ce qui importe ici, ce sont les survivants. Comment gèrent-ils leur solitude et leurs souffrances, comment font-ils pour préserver leur propre humanité dans ce monde où leurs proches errent le visage décharné et les tripes à l’air ?

Au fil des épisodes, on s’attache aux différents protagonistes et on s’inquiète du tour que prendront leurs destinées respectives. En ce sens, le format série sied parfaitement à cette adaptation. C’est d’ailleurs ainsi que Robert Kirkman décrivait son œuvre: un film de zombies qui ne s’arrête jamais.

Côté réalisation, on peut être pleinement rassuré puisque cette dernière est supervisée par Frank Darabont, un réalisateur chevronné à qui l’on doit notamment La ligne verte, les Evadés et The Mist (adaptation brilliante d’une nouvelle de Stephen King). Darabont a d’ailleurs lui-même dirigé la réalisation du pilote de la série d’un durée de 90 minutes (les épisodes suivants dureront 42 minutes).

Pas moins de 5,3 millions de téléspectateurs se sont rassemblés pour découvrir ce premier épisode de la série diffusé le dimanche 31 octobre aux US, ce qui constitue un record d’audience historique pour la chaîne câblée américaine. Fort de ce succès, AMC vient même d’annoncer de façon officielle, qu’elle reconduisait la série pour une saison 2 qui comportera 13 épisodes. On s’en réjouit par avance !

Voici, pour terminer, le trailer de la série :

En prime, je vous propose de découvrir ce magnifique -opening title- alternatif créé par Daniel M. Kanemoto, un fan de la série. Celui-ci reprend fidèlement l’esprit de la BD culte de Robert Kirkman (auteur) et les dessins de Charlie Adlard et Tony Moore. Il ne s’agit donc pas du générique officiel mais c’est franchement superbe !

THE WALKING DEAD “Opening Titles” from Daniel Kanemoto on Vimeo.

• Le site officiel de la série

A cette époque, le photographe, Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii entreprit de réaliser, avec le soutien du Tsar Nicholas 2, un panorama de la société Russe. Evidemment, point de photographie couleur à l’époque et pourtant le photographe utilisa un système astucieux de prise de vue, qui combinait trois photos noir & blanc prises quasi simultanément à travers des filtres colorés. Après coup, on projetait l’image recomposée avec trois lanternes colorées. Le procédé était assez compliqué à mettre en oeuvre et ne connût pas un franc succès à l’époque.

Mais en recombinant ces prises de vues avec nos moyens informatiques actuels, on a pu obtenir la série de clichés présentée ici. L’excellente qualité des images, combinée au très bon rendu des couleurs font qu’il est bien difficile de croire que ces images ont été capturées il y a environ une centaine d’année.

• Russia in color, a century ago

‘ La photographie, aujourd’hui, a perdu beaucoup de son âme avec l’avènement des appareils numériques. Les photos n’ont plus ce caractère crucial et définitif qu’elles avaient du temps de la photographie argentique. Bonne ou mauvaise, une photo était irrévocable et était décomptée de la pellicule. le développement du film révélait de manière implacable, dans l’ordre chronologique, images réussies et images ratées ; impossible d’échapper à la sentence et aux statistiques. même s’il était toujours permis de multiplier les photos et de renouveler la pellicule, chaque prise de vue avait une valeur unique, et représentait un petit miracle. La dernière photo avait un statut distinct, une saveur particulière. Bien souvent, elle était blaclée, expédiée, pour en finir au plus vite ; mais parfois, elle était au contraire, retardée, soignée, calculée, pour finir en beauté. Alors, on rembobinait.’

Plus récemment, il a signé une campagne d’affichage pour Perrier qui n’est pas sans rappeler un célèbre tableau de Salvador Dalí “Persistance de la mémoire”.

A la tête de l’agence Asile depuis 2005, il compte parmi ses clients quelques marques et enseignes prestigieuses telles que Sony, Nike, Citroën, EDF, Yoplait, Decathlon… mais il sait également mettre son talent au service de causes humanitaires: Sidaction, Samu social.

Avec Christophe Huet, on touche plus au domaine de la création graphique et de la retouche qu’à celui de la photographie à proprement parler. D’ailleurs, dans ses créations, il s’appuie le plus souvent sur des clichés d’autres photographes (Dimitri Daniloff, Ben Stockley et Jean-Yves Lemoigne notamment).

Pour mieux apprécier la qualité de son travail, je vous invite à découvrir son portfolio en ligne qui dispose d’une section “making of” très intéressante permettant de mieux cerner les différentes étapes de la retouche. Dans certains cas, l’image d’origine se retrouve totalement décomposée et déstructurée et elle ne sert finalement que de trame de base à la création finale.

• Portfolio de Christophe Huet

Cette fois, je vous propose de découvrir le travail de Dina Goldstein. Cette photographe canadienne, basée à Vancouver, a longtemps oeuvré dans le domaine de la publicité, elle a aussi collaboré avec plusieurs magazines mais tout un pan de son travail est consacré à des projets beaucoup plus personnels. C’est un de ceux-là qui a retenu mon attention.

“Fallen Princesses” est une série de photographies qui joue avec les codes des contes de fée traditionnels en les confrontant à la dureté et à la violence de notre monde moderne.

Inspirée par toutes ces petites filles qui rêvent de vêtir des belles robes et de rencontrer un jour leur prince charmant, la photographe Dina Goldstein s’est réapproprié les histoires de Blanche Neige, Cendrillon ou La Belle Au Bois Dormant. Avec elle, le célèbre « ils vécurent heureux et… » prend soudain un virage assez inattendu.

L’ensemble de la série est consultable sur un site web dédié plutôt bien fichu. A découvrir donc.

• Fallen Princesses
• Portfolio Dina Goldstein

Ce photographe américain s’est spécialisé dans la photographie au sténopé ou “pinhole photography” en anglais. Le sténopé est un dispositif optique d’une simplicité extrême permettant d’obtenir un appareil photographique dérivé de la camera obscura (chambre noire). L’ appareil photographique à sténopé se présente sous la forme d’une simple boîte dont l’une des faces est percée d’un minuscule trou qui laisse entrer la lumière. Sur la surface opposée au trou vient se former l’image inversée de la réalité extérieure, que l’on peut capturer sur un support photosensible (tel que du papier photographique). Pour simplifier, on peut dire que le sténopé fonctionne de la même façon que l’œil, il capture des images inversées du visible.

Du fait de la petitesse de l’orifice permettant à la lumière de pénétrer à l’intérieur de l’appareil et de l’absence de focalisation, le temps nécessaire pour impressionner la surface photosensible est extrèmement long. Selon la taille de l’appareil et de l’ouverture, cela peut aller de quelques secondes à plusieurs heures. En revanche, ce dispositif permet une plus grande latitude d’exposition et offre une très grande profondeur de champs (presque à l’infini). Evidemment, avec de telles caractéristiques techniques, ce sont d’immenses possibilités d’expérimentation qui s’offrent à l’amateur de photographie.

Avec le sténopé, les lignes se déforment, les perspectives s’allongent jusqu’à donner le vertige, plongeant le spectateur dans un monde totalement surréel. Scott Speck ne s’y est pas trompé et il faut reconnaître qu’il maîtrise l’art photographique au sténopé comme personne. Toujours en quète de nouvelles idées et de nouveaux champs d’expérimentation, Speck a mis en oeuvre ce procédé sur des éléments d’architecture, des paysages, de la macro et même du portrait.

• Portfolio de Scott Speck
• Scott Speck sur Flickr

Pour se remettre doucement en jambe, je vous propose de découvrir l’un des tous meilleurs time lapse qu’il m’ait été donné de voir jusqu’à aujourd’hui. Pour ceux qui s’intéresseraient aux aspects techniques de la chose, Le time lapse est un procédé cinématographique consistant à diffuser les images filmées d’une action dans un temps plus court que celui de l’action réelle. En quelque sorte, c’est tout l’inverse d’un ralenti.

Cet effet est très souvent utilisé pour illustrer la notion de temps qui passe: un lever ou un coucher de soleil, des nuages traversant le ciel, l’incessant manège des piétons et des voitures au coeur d’une ville, etc..

Avec la généralisation de la HD, le time lapse a connu un regain d’intérêt certain auprès des amateurs d’images. Ici, le réalisateur a utilisé un appareil photo Canon 5DMKII associé à un système motorisé appelé Mumford Moco se fixant entre l’appareil photo et le trépied et qui permet d’opérer une rotation progressive sur un axe tout en prenant des clichés à intervalle régulier (ouf !).

Concrètement, ce film est entièrement réalisé à partir de prises de vue photo mises bout à bout dans un logiciel de montage.

Autant vous dire que c’est un travail titanesque !

Hayaku: A Time Lapse Journey Through Japan from Brad Kremer on Vimeo.

Ces derniers mois, j’ai eu l’occasion de visionner quantité d’exemples, plus ou moins réussis, de time lapse. Je dois avouer que celui de Brad Kremer est non seulement l’un des plus abouti techniquement parlant mais aussi celui où le procédé dépasse la simple performance technologique pour devenir porteur d’une réelle puissance évocatrice.

Kremer est un passionné, amoureux fou du Japon et il le lui rend bien. Il nous offre ici sa vision de ce pays qui hésite sans cesse entre tradition et modernité.

La version dispo dans ce billet est en low résolution. Je vous incite vivement à aller directement sur Vimeo pour profiter de la superbe version en HD.

Créé par deux artistes américains, Benjamin Fry et Casey Reas, Processing est un langage de programmation et un environnement de développement open source et multiplateforme. Il permet de manipuler, d’animer et de faire interagir des élément visuels (2D, 3D, vidéo, animation…) et sonores ce qui le rend particulièrement adapté à la création numérique interactive.

La force de Processing réside dans sa grande simplicité aussi bien dans la mise en œuvre des programmes que dans la syntaxe du langage. Naturellement tout cela reste très relatif car la création de scripts élaborés nécessitera tout de même de solides connaissances en matière de programmation. Prévoyez donc de bonnes séances de prise de tête ainsi que de longues journées de travail acharnées pour pouvoir prendre toute la mesure du formidable potentiel de ce logiciel.

Quoiqu’il en soit, Processing est aujourd’hui utilisé par de nombreux étudiants, artistes, designers, chercheurs et se révèle être une alternative très intéressante et qui plus est, gratuite, à d’autres solutions logicielles propriétaires beaucoup plus coûteuses comme Adobe Flash par exemple.

Pour terminer voici également quelques liens pour ceux qui souhaiteraient découvrir un peu plus en avant ce formidable outil de création.

• Processing le site officiel
• Cours en ligne proposé par l’école d’Art d’Aix en Provence
• Gallery of Computation (d’étonnantes expérimentations, le code source est fourni)

Une bonne idée et une réalisation soignée sans être trop ambitieuse…

• http://fr.youtube.com/experiencewii

“The Outbreak”, c’est un film interactif en ligne. A certaines étapes clés du film, il vous sera demandé de faire un choix qui vous permettra de progresser dans l’aventure ou… d’y laisser votre peau.

Le concept n’a rien de révolutionnaire mais la réalisation est d’excellente facture. L’atmosphère est pesante, sombre et gore à souhait et on se laisse vite prendre au jeu à condition évidemment que la vue de l’hémoglobine ne soit pas un problème pour vous !

• The Outbreak

Pour ceux qui ignoreraient tout des fanfilms, sachez qu’il s’agit de films réalisés par un ou des fan(s) d’un film, d’une série télévisée, d’un jeu vidéo, d’un livre ou d’une bande dessinée. Ces films s’inspirent naturellement de l’univers dont ils sont issus (lieux, personnages, situations…). Parfois très fidèle à l’oeuvre originale, certains s’en écartent allègrement adoptant un ton décalé, parodique voire humoristique.

En matière de fanfilms, c’est sans conteste l’univers de La Guerre des étoiles, de George Lucas, qui a le plus inspiré les créateurs. Aujourd’hui, je vous propose d’en découvrir quelques uns qui me semblent assez plutôt digne d’intérêt de par leur originalité ou la qualité de leur réalisation.

“George Lucas in Love” est un court métrage daté de 1999 et réalisé par Joe Nussbaum. Il s’agit d’une approche comique de la genèse de la saga Star Wars, dans laquelle tous les personnages récurrents trouvent leur origine dans l’entourage du jeune George Lucas alors qu’il était encore étudiant à l’Université de Californie du Sud. L’ambiance du film parodie celle du long métrage “Shakespeare in Love” dans lequel c’est le jeune William Shakespeare qui trouve l’inspiration pour ses pièces dans son entourage.

Dans un tout autre genre, on trouve ce court métrage de 2007 “Forced Alliance”. L’action se déroule 50 ans après les événements du Retour du Jedi. Alors que la Nouvelle République essaie de se reconstruire, de nouvelles menaces surgissent. L’action se déroule dans un bar qui n’est d’ailleurs pas sans rappeler celui du 1er Star Wars…

Pour clore cette sélection, voici 2 exemples d’un genre également très en vogue chez les fans de Star Wars : le duel de sabres lasers. Ryan vs Dorkman 2 (il existe un première version) dont nous avions déjà parlé sur ce blog propose un combat à la chorégraphie particulèrement soignée.

Cet autre court-métrage “Three in the Afternoon”, quant à lui, adopte un ton beaucoup plus parodique.

Parmi les très nombreux autres fanfilms circulant sur Internet, l’un des tout meilleurs est sans conteste le Batman : Dead End de Sandy Collora, spécialiste en effets spéciaux (Dogma, The Crow, Predator 2 ou Men in Black) et collaborateur occasionnel de Stan Winston, Rick Baker et Rob Bottin.

Dans cette courte histoire, Batman se retrouve aux prises avec son plus terrible adversaire, le Joker ainsi qu’avec d’autres invités-surprises, le tout dans une ruelle glauque sous une pluie diluvienne. Tourné en seulement quatre jours et avec un budget de 30 000 dollars, ce film avait fait l’événement lors du ComicCon de San Diego en 2003. Il est considéré par certains comme la meilleure représentation cinématographique du Dark Knight.

Enfin, on termine cette première sélection par cette belle réalisation de Sacha Feiner, passionné des Gremlins depuis son enfance et qui a passé 2 mois dans son propre sous-sol pour préparer cette séquence de 7 minutes dans laquelle les créatures de Joe Dante envahissent des scènes tirées de films cultes tels que “L’Exorciste”, “Batman”, “Indiana Jones et les aventuriers de l’arche perdue” ou encore “Les Goonies”.

A l’ère du tout numérique où la part de hasard et d’imprévu se voit réduit à sa portion congrue, le polaroïd avec ses couleurs baveuses et saturées, sa lumière légèrement bleutée, son image floue, reste un symbole de la photographie instantanée dans toute sa fraîcheur et sa simplicité.

Mais le 8 février dernier, la compagnie américaine Polaroid a annoncé, au grand dam de tous les passionnés, l’arrêt de la fabrication de tous ses films instantanés. Il faut dire que l’annonce était attendue : depuis 2007, Polaroid avait déjà cessé de produire ses appareils, grand public et professionnels. Seule issue pour les amateurs de photographie instantanée : constituer des stocks de films qui se négocient désormais à prix d’or.

Les créateurs du site Polanoid ont eux décidé d’entretenir la légende en lançant la plus grande collection de Polaroïds en ligne au monde. Chacun est libre d’y publier ses clichés. Aujourd’hui, pas ce sont pas moins de 170 000 photographies qui ont été mises en ligne par une communauté de plus de 12500 passionnés. Un beau projet.

On termine cette séquence nostalgie avec une petite Madeleine de Proust aux accents vintage.

Quelques liens :

• Polanoid.net
• Polaroid Passion – Le site des passionnés de Polaroid
• Le polaroid book – un recueil de polaroïds, provenant de photographes reconnus, qui est sorti à l’occasion des 50 ans du célèbre film instantané.

Comme il est si bien expliqué sur Wikipedia – le terme nanar diffère du navet par son aptitude à divertir. Le nanar amuse par ses défauts, tandis que le navet est simplement mauvais et ennuyeux (en référence au goût fade du légume du même nom) -

Pour ne pas perdre les bonnes habitudes, je vous ai donc préparé une petite sélection savoureuse de nouveaux extraits de film.  On commence donc avec 2 petites perles qui nous viennent tout droit de Turquie. Des adaptations -très libres- de 2 grands classiques du cinéma made in US.

Badi : le E.T. Turc Où l’on pourra noter la fin de la scène traitée dans le plus pur esprit “Benny Hill’.

Turkish Star Wars, un pillage en règle de l’original (ben oui quand on n’a pas les moyens, on se sert directement à la source !). Le film en question a d’ailleurs accouché d’une suite, bien plus médiocre.

On continue notre voyage avec un petit arrêt en Inde, gros pourvoyeur de nanars devant l’éternel. Là encore il s’agit d’une libre relecture -façon Bollywood- du mythique Thriller. J’ignore s’il s’agit d’un simple vidéo clip ou si c’est un extrait de film (si vous avez l’info, je suis preneur).

Pour le plaisir, voici une autre adaptation indienne mais du film ‘Rambo’ cette fois. On appréciera tout particulièrement l’extraordinaire puissance du lance-roquette et le côté très ‘Quake-Like’ de la mise en scène.

Poursuivons maintenant avec ce magnifique hommage rendu à Jurassic Park. Steven Spielberg serait d’ailleurs fort inspiré de débaucher le responsable des effets effets spéciaux de ce magnifique Futur War pour ses prochaines réalisations !

Qui a dit que le nanar était l’apanage exclusif des acteurs de seconde zone ?? On retrouve dans ce téléfilm fantastique de 1970 “Le cyborg ou le voyage vertical” ce cher Gérard Depardieu. Une belle casserole pour notre Gégé national !

Enfin, on ne saurait conclure cette première sélection sans une réplique cultissime de l’inénarrable Chuck Norris extraite du film Braddock, Portés Disparus III (le titre étant déjà tout un programme).

N’oublions pas enfin de citer LE site de référence en matière de nanar, le bien nommé Nanarland.

Ces doux dingues sont de retour avec une toute nouvelle expérimentation intitulé The Sticky Note Experiments. Cette fois-ci, les deux compères s’attaquent aux célèbres Post-it® qui sont mis en scène dans cette hallucinante “expérimentation de bureau” ; une folie visuelle qui aura nécessité pas moins de 280.951 Post-it® -je les ai comptés- pas très écolo certes mais terriblement jouissif.

Et si jamais l’envie vous prenait de faire la même chose au bureau, leur site propose aussi quelques tutoriaux vidéo.

• Eepy Bird

http://www.minimalsites.com

A la fois peintre et photographe, Marilyn Minter est originaire de Shreveport, en Louisiane. Elle grandit en Floride au sein d’une famille plutôt aisée. Alors qu’elle est encore étudiante en Floride, Minter se fait remarquer par l’un de ses professeur/intervenant, Diane Arbus, dont l’influence se retrouvera plus tard dans le travail de Minter. C’est à cette même période qu’elle produit une série de photographies mettant en scène sa propre mère, beauté vieillissante et toxicomane.

Elle débarque à New York en 1976, après avoir obtenu une maîtrise de beaux-arts. De la fin des années 70 et au début des années 80, elle évolue dans l’univers des nightclubs de Manhattan. Elle enseignera également dans une école catholique pour garçons et ça n’est qu’en 1985 qu’elle décide de se plonger à nouveau dans la création artistique.

Outre la photographie, Minter crée également des peintures (émail sur métal) basées sur ses propres clichés. Son œuvre se situe au croisement de nombreuses influences : le post-pop art, la publicité, le monde de la mode et même la pornographie.

Si l’artiste, dans ses oeuvres de jeunesse, témoigne d’un intérêt particulier pour les représentations hyperréalistes, ses expérimentations la conduiront progressivement sur une voie située à la frontière entre photo réalisme et abstraction. Avec des cadrages serrés à la Man Ray dépourvus de narration dans lesquels nourriture, maquillage, boue et mode se côtoient, l’artiste fait littéralement voler en éclat les canons esthétiques de la représentation de la féminité tels qu’ils s’affichent à longueur de page dans les magazines de mode.

L’ambivalence des œuvres de Minter ne peut laisser indifférent. Tout à la fois désirable et repoussant, l’univers de Minter s’approprie les codes de l’ultra-glamour pour mieux les détourner. Saisissant !

2 séries de clichés, présentées sur son portfolio, ont tout particulièrement retenu mon attention : Toy Story et Chernobyl.

Avec plus de 80 récompenses nationales et internationales à son actif, Pasha Vrzhesch est aujourd’hui un photographe au talent reconnu même s’il poursuit en parallèle son activité de DA au sein de l’agence Leo Burnett.

• portfolio de Pasha Vrzhesch

A ce sujet, il s’expliquera : “J’ai voulu documenter tous les moments importants de sa vie, être là et conserver une trace de ces instants éphémères qui s’efface trop vite de nos mémoires ”

Le classicisme des poses, l’austérité du décor et l’accessoirisation de la scène, l’utilisation très particulière de la lumière, la fraîcheur et la sérénité qui semble iradier le visage du modèle : tout dans les clichés d’Hendrik participe à créer l’illusion en évoquant les portraits des grands maîtres de la peinture néerlandaise du XVIIème siècle, en particulier Johannes Vermeer.

Sur ce point, Hendrik écrira :
“Un jour, Paula est revenu de sa leçon d’équitation. Elle a ôté sa cape et j’ai alors été frappé par l’image de ses cheveux tenus ensemble grâce à une pince. Cela m’a rappelé les portraits des grands maîtres hollandais. Dès lors, j’ai commencé à faire plus de portraits d’elle en me rapportant aux peintures de cette époque. Ce qui me fascine, en particulier, dans la peinture du XVIIème siècle, c’est cette volonté de décrire la vie quotidienne par opposition aux peintures de la Renaissance italienne, qui, elles, racontent habituellement une histoire.”

L’originalité du travail de Kerstens puise sa source dans cette faculté qu’à le photographe à faire naître le trouble. Il joue sur une double ambiguïté ; tout d’abord, dans la relation unique de proximité et de complicité qu’il partage avec son modèle mais aussi en s’amusant à brouiller les références à la frontière entre la tradition classique et une certaine forme de modernité.

• le site d’Hendrik Kerstens

• porfolio de Mat Doidge